RERO

LA DENEGAZIONE DELL’ARTE                          ÉCRITE PAR   ACHILLE BONITO OLIVA

Au début du 21ème siècle, entre la fin du deuxième millénaire et le début du troisième, il est temps de rétablir le calendrier; Le moment est venu pour la créativité qui dépasse le futur et s’installe dans le présent. C’est un temps de solidarité entre les artistes et le corps social, un moment de crise qui affecte la vitalité de toute la planète.

L’art ne vise pas à résoudre les problèmes, mais à générer des questions, des surtensions de conscience au sujet de la myriade de problèmes dans notre monde. Par conséquent, la nature écologique de la création artistique, l’exigence éthique de Réron appartenant à la nouvelle génération, comme un geste de résistance morale. Décrire le désir constructif de vivre et de réfléchir à la dérive sociale et politique, malgré un chaos qui est toujours irréversible.

Rero utilise le texte pour exprimer en termes en noir et blanc sa pensée critique en ce qui concerne une réalité éphémère et inflexible. L’artiste français emploie un dispositif rhétorique qui s’appuie sur le maniérisme – l’oxymoron – un type de cohabitation sémantique des contraires verbaux utilisés au 16ème siècle pour décrire les circonstances contradictoires de l’époque.

Mais ici, Rero l’utilise pour enquêter sur les valeurs fondamentales de notre existence: la liberté, le progrès, la censure et l’autocensure: traverser des phrases qui s’opposent à ces principes et mettre en danger la liberté de l’humanité.

Le travail de Rero n’est pas simplement une installation littéraire dans l’espace urbain, ni un exercice purement intellectuel de la réflexion rhétorique sur la morale collective. C’est l’utilisation publique d’un processus typique de l’art conceptuel: la juxtaposition d’images et de mots capables de produire une interprétation collective, destinée à un public astucieux qui ne trouve pas de campagnes publicitaires sur les murs des bâtiments et des usines, mais plutôt des invitations à la formation mentale .

Parce que, pour Rero, l’art est une sirène qui tente de réveiller le muscle atrophié de la sensibilité collective: une déclaration de complexité face aux excuses consuméristes pour les règles de la vie passive. Ainsi, la célébration de l’oxymoron sous forme d’écriture publique, qui réussit à restaurer le sens de la complexité de la vie et démasque l’usage hypocrite des concepts universels, en utilisant l’astuce freudienne du déni: la confirmation par la négation.

Par conséquent, Rero organise des séances de thérapie publique et collective en proposant des formes visuelles qui oscillent entre l’art et la littérature. D’une manière absolue, l’artiste utilise la simplicité d’un concepteur: la propreté visuelle d’un message didactique explicite.

La ligne qui frappe à travers son écriture devient une frontière entre l’être et l’être – l’expression d’une liberté totale que seul l’art peut fournir: affirmer en refusant et vice versa.

Ici réside la fondation de la dernière valeur de l’art, capable d’encapsuler des concepts sémantiquement éloignés et contradictoires afin de provoquer la réflexion et augmenter l’élasticité mentale chez les téléspectateurs involontaires qui rencontrent le travail de Rero.

L’art conceptuel trouve donc une extension naturelle au-delà des espaces d’exposition traditionnels et profite de l’opportunité de s’engager dans l’architecture publique et privée, avec des usines industrielles, avec le centre-ville et les bâtiments dégradés.

Le déni visuel de Rero crée un autre paradoxe, rétablissant l’ordre visuel et la dignité esthétique dans des lieux obsolètes, abandonnés et oubliés.

L’artiste trace son alphabet sur la peau de structures complexes, forgeant une nouvelle expression qui consolide la promesse d’un avenir meilleur grâce à un langage visuel que l’on peut espérer durera.

Même le Centre Pompidou à Paris a servi de toile de fond pour la pièce NE PAS CROSS THE LINE, marquant une limite entre l’espace de la ville et l’espace consacré du musée, la volonté de réduire la distance entre la formalité du musée et l’espace privé. Surmonter la distance et la séparation est l’obsession poétique inspirée de Rero, qui a inventé l’acronyme WYSIWYG, ou ce que vous voyez, c’est ce que vous obtenez. Avec ce terme, l’artiste vise à indiquer l’incapacité de l’homme à contrôler librement ses rencontres lors des odyssées urbaines. Certes, l’arrivée d’Internet a radicalement modifié toutes les interactions publiques et privées, et le droit de censurer la propriété privée ou les images de droits d’auteur.

L’utilisation par Rero de la police Verdana, qui est la plus utilisée sur Internet, témoigne de sa vision critique du Web et des campagnes publicitaires non sollicitées. Par conséquent, la stratégie d’annulation de l’artiste, qui produit, par l’utilisation d’un grossissement visuel, un débat sur l’autocensure. Son travail devient donc très éducatif, invitant le public à assumer un état d’interaction, fruit d’une conscience rétablie que l’écriture macroscopique de l’artiste offre.

De cette façon, nous dépassons finalement les graffitis et les graffitis hédonistes d’Amérique et d’Europe à la fin du XXe siècle. À l’heure actuelle, les artistes alphabétisés comme Rero utilisent de manière constructive les espaces en plein air, contrecarrant l’immaturité adolescente de ceux qui quittent des étiquettes, des autographes qui devraient trahir l’anonymat du coupable, ce bruit visuel impuissant qui ne donne aucune impression durable à l’hypocrisie collective de la ville.

Rero, avec ses installations dans les espaces publics et privés, cherche à restaurer la corrélation entre l’ordre esthétique et moral à la contemplation du travail lui-même. Et ainsi, la confirmation de l’une des prophéties de Picasso: l’art visait le monde entier.

Cependant, l’art analytique, qui a été en plein essor en Amérique et en Europe à la fin des années 60 et au début des années 70, éclipse l’auto-référentialité conceptuelle de ces années où il reflète uniquement sa propre identité et son statut linguistique. Au cours de la deuxième décennie de ce millénaire, la «chose mentale de l’art» (telle que Léonard de Vinci l’a défini) a finalement trouvé sa raison d’être: créer un message social et la thérapie dans un contexte collectif qui restaure, contre toute simplification , La vraie valeur de la complexité: celle de nous.

La démonstration finale de cette situation réside précisément dans cette exposition: des pièces mixtes, à l’installation avec la lessive accrochée, aux toiles de fond-relief qui reproduisent des phrases soulevées de plusieurs murs autour de Rome, consistant constamment à enquêter et à interroger collectivement. La conscience de l’artiste diminue toute distance de la ville éternelle. Ceci est mis en évidence dans l’installation finale surdimensionnée: un alphabet de lettres qui reprennent une pièce entière; La signature visuelle et lourde d’un poète qui ne demande pas une vigile contemplative, mais qui espère un réveil.

ÉCRIT PAR ACHILLE BONITO OLIVA

Rero est représenté en france par la galerie Backslash à Paris.

http://www.rero-studio.com/

 

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